Un nuage alourdi par des fanions, des gens qui regardent le ciel avec admiration et un cheval de bois qui danse dans les airs… La campagne publicitaire, qui reprend les meilleures de ses idées novatrices, est l’image principale du film.
Lorsque Us a été présenté pour la première fois, il s’est appuyé sur sa brillante prémisse, Nope fait planer (littéralement) le suspense à son maximum et cela se traduit par une séquence d’ouverture époustouflante par sa bizarrerie. Il est difficile de ne pas penser aux histoires fantastiques de La Quatrième Dimension, série à laquelle il a déjà promis sa loyauté en succédant à Rod Serling comme animateur de la dernière édition…
Un film hors norme, entre mythologie et science-fiction
Une référence qui peut être à la fois stimulante et un appel à la prudence : beaucoup d’entre eux sont des héritiers autoproclamés de l’anthologie légendaire et n’ont pas réussi à justifier leur place en tant que véritable long métrage. Pourtant, c’est Jordan Peele qui est aux commandes et il n’a pas l’intention de bâcler son film.
Comme à son habitude, il prend d’autres genres, d’autres thèmes et diverses sources d’inspiration, pour adapter l’intégralité du cinéma populaire et y ajouter ses propres idées. Entre la science-fiction pure et l’horreur, ou encore le western yankee, faisant appel et rappelant aussi bien le mystère spielbergien que l’horreur anglaise, et alternant entre deux références à des sitcoms, Nope ne s’éparpille jamais, ce qui est bluffant.
En raison notamment de son casting limité de personnages, il y a un sens du caractère qui s’égare rarement et, surtout, une cohérence esthétique imbattable.Pour la première fois, Peele s’offre l’aide du directeur de la photographie Hoyte Van Hoytema, responsable des ambiances de Morse, Her et Ad Astra, mais aussi de la palette de couleurs des derniers films de Christopher Nolan. Ensemble, avec un brio visuel que c’est un crime de révéler à l’avance, ils ont fixé les objectifs du film dans le cadre d’un ciel terrifiant que le réalisateur a comparé à l’océan des Dents de la mer.
Comme l’océan, il cache un antagoniste inquiétant, qui peut apparaître à tout moment et terrorise les personnes qu’il encercle, recouvrant tous les éléments et les enjeux du film avec une combinaison ingénieuse d’effets spéciaux indétectables et de nuit américaine (une technique qui consiste à filmer la nuit en plein jour grâce à un éclairage particulier).
C’est une excellente façon d’étendre le style minimaliste qui était la marque de Serling et Spielberg tout en découvrant lentement son véritable sujet qui est la capture du miraculeux, malgré toutes les circonstances.
Ce n’est pas un hasard si la majorité des personnages de Nope sont liés de près ou de loin à l’industrie du divertissement ou du cinéma, ou si le film se déroule dans les franges désertiques d’Hollywood.
Les deux adelphes, le renfrogné OJ (Daniel Kaluuuya) et l’extravertie Emerald (Keke Palmer) sont déterminés à subvenir aux besoins de leur entreprise d’entraînement de chevaux, plus que snobée par les professionnels du secteur et leurs méthodes innovantes, en négociant avec le directeur du parc d’attractions, Ricky Park (Steven Yeun).
Cependant, lorsqu’ils rencontrent un événement véritablement mythologique, ils n’ont pas peur de mettre leur vie en danger afin de documenter l’inconcevable.il est évident que cette quête coïncide avec les questions sociales du cinéaste. La nécessité, d’une importance vitale pour les Noirs, de revenir sur le devant de la scène, de se réapproprier une forme d’art incroyablement populaire, mais au prix de leur sécurité, comme l’indique un monologue lent qui ressemble à une autobiographie personnelle.
Un film a la fois terrifiant et fascinant
Dans la scène finale, il délaisse la terreur éthérée pour faire des références explicites, même dans le personnage de Michael Wincott, à la toile du film et à l’arrogance et la sensibilité requise pour respecter cette forme d’art. Toutefois, c’est dans son deuxième acte, alors qu’il accroît son atmosphère paranoïaque, que le film présente une vision tout à fait unique de la grandeur cinématographique.
Tout en restant fidèle à ses principes, il se dissocie de la merveille métafilmique de Spielberg pour offrir une représentation plus sombre du rêve hollywoodien, entité terrifiante, poursuivie sans âme et risquant d’être absorbée par ses ambitions et ses rêves.Peele parvient à s’écarter des personnages didactiques de son Get Out, simples arguments dans sa présentation.
Chacun des personnages a un lien très intense et très complexe avec le surnaturel. Comme dans le cas de Yeun le sceptique triste et impénitent de la machine à broyer Hollywood et sa terreur sous-jacente (quelle scène étonnante ! ) et pourtant complètement fou de ses pouvoirs, et même d’être puni dans la fausse arrière-salle de Los Angeles.
Récemment débarqué dans les micro-castes des auteurs américains après son casse de 2017, et désormais à la tête d’un budget conséquent (plus de 70 millions de dollars), le réalisateur est là pour rappeler à tous le scepticisme que les blockbusters peuvent susciter chez ceux qui sont dans son ombre, et par la même occasion , réaffirmer le potentiel des frissons que le monde du cinéma populaire peut délivrer lorsqu’il est entre de bonnes mains.
Bien sûr, c’est là que le film devient excitant : le désir de sensations fortes peut être dangereux et même terrifiant ; cependant, il est payant. Cela est évident par l’excellence technique du film et, dans une méthode du film.
Un apogée plein de référence
Peele incorpore la métaphore avec des panoramiques époustouflants qui explorent ce ciel énigmatique, le scrutant soigneusement jusqu’à ce qu’il puisse repérer la partie qui ne va pas, puis l’expose en plein jour à la fin du film avec une musique qui soutient le climax.
Un climax où l’on fait des allusions à l’animation japonaise des années 90 (un design influencé par Neon Genesis Evangelion, un plan directement copié d’Akira) ou, plus précisément, aux œuvres célèbres qui ont fait l’objet de moqueries et de préjugés pour arriver au regard des spectateurs occidentaux.
À l’instar des productions MonkeyPaw, notamment le bancal Lovecraft Country, l’art populaire devient une arme de résistance ainsi qu’un signe de courage dans un monde où le spectacle peut attirer et tuer ceux qui sont attirés par lui, mais aussi donner du pouvoir à ceux qui peuvent le transcender, même s’ils sont marginalisés.
À l’instar de ses personnages, le réalisateur finit par être un narrateur de l’extraordinaire et, par conséquent, fournit un pur divertissement qui est aussi bien qu’impressionnant. Un peu comme Rod Serling et sa Quatrième Dimension.
