Avec seulement son deuxième scénario produit, après 1917, Sam Mendes plonge dans le territoire de ses années de formation et d’une humeur de nostalgie. L’histoire qu’il raconte dans Empire de Lumière n’est pas strictement autobiographique, mais il s’inspire de la musique, des films et du climat politique qui ont influencé son passage à l’âge adulte – les films en particulier. Ce n’est pas le cinéma avec un « C » majuscule que Mendes célèbre, mais le genre de longs métrages populaires qui façonnent les souvenirs et sont associés de manière indélébile aux passages de la vie. Un valentine au celluloïd qui n’évite pas entièrement la conscience de soi, c’est un beau film qui se déroule principalement dans un joyau vintage d’un palais de cinéma sur la côte sud-est de l’Angleterre. Dans le rôle de la directrice de théâtre troublée, éblouissante de résilience et épris de poésie, Olivia Colman livre une performance émouvante et certaines de ses œuvres à l’écran les plus touchantes à ce jour.
Au début de l’histoire, 1980 touche à sa fin et Les frères Blues et Et tout ça sont présentés sur le chapiteau de l’Empire, une salle de cinéma face à la mer. Les cinéastes ont ressuscité un cinéma abandonné à Margate, avec la conception de la production de Mark Tildesley une merveille art déco riche mais pas exagérée de panneaux de bois ronce et de velours aux tons de bijoux. La géométrie élégante est accentuée dans les compositions symétriques du maître directeur de la photographie Roger Deakins, un collaborateur fréquent de Mendes.
Empire de Lumière
L’essentiel
Une vitrine qui plaira à la foule, parfois artificielle, pour un Colman stellaire.
Hilary de Colman, qui a souvent une expression affligée, se remet apparemment d’une période d’épuisement mental intense et est traitée avec ce que son médecin appelle une « substance merveilleuse », le lithium. Elle mange seule le dîner de Noël, mais elle n’a pas tourné le dos à la vie, assisté à des danses et profité d’un lien collégial avec ses collègues.
La plupart des membres de l’équipage de l’Empire sont plus jeunes, y compris la punk Janine (Hannah Onslow) et le manager junior observateur et sympathique, Neil (un Tom Brooke attachant). Plus près de l’âge d’Hilary se trouve le projectionniste Norman, qui est joué par Toby Jones dans une superbe forme discrète, ce qui rend tout à fait crédible la fierté professionnelle du personnage et son amour pour la « machinerie complexe » de la cabine de projection. Le scénario va cependant un peu trop loin, avec ses déclarations nobles sur le faisceau de lumière, les cadres statiques, le nerf optique et l’illusion de mouvement – qui ressemblent tous à des déclarations d’auteur dépourvues de spontanéité, frappant le clou sur le tête, un peu comme le titre du film.
Le patron de Hilary, M. Ellis (Colin Firth, jouant l’auto-absorption à un T), est un type sans humour qui la convoque régulièrement à son bureau pour des relations sexuelles dans l’ombre. Quand lui et sa femme (Sara Stewart) entrent dans le même restaurant où elle dîne, Hilary, naturellement, est celle qui s’amuse. Mais avec l’arrivée d’un nouvel employé, 20-ish Stephen (Micheal Ward, de la série Netflix Top Garçon), les choses changent pour elle et elle se sent vue, puisant dans ses réserves de joie et de force.
Leur connexion commence par sa curiosité avide pour le théâtre lui-même, qui les emmène dans les étages supérieurs abandonnés, l’un d’eux étant une ancienne salle de bal – une vision d’un glamour délabré qui est une pièce de conception aussi spectaculaire que le sol encore fonctionnel du bâtiment. niveau. Les pigeons ont colonisé l’espace désaffecté, et la voie de guérison de Stephen avec un oiseau blessé contourne à peine la mièvrerie du pigeon chuchoteur – quelque chose que le scénario reconnaît avec un peu d’humour dans un échange ultérieur. Que le dernier étage fantomatique de l’Empire devienne bientôt le site de rendez-vous passionnés entre Hilary et Stephen est crédible en raison de la vulnérabilité vibrante de Colman et de l’attirance sous-estimée de Wald pour la femme plus âgée.
Mendes a planté ses personnages dans un moment défini non seulement par Remuer fou et Chariots de feu, qui, Ellis est fier d’annoncer, aura sa « première de gala régionale » à l’Empire, mais aussi par le thatchérisme et la violence skinhead raciste. Le thème racial est abordé avec une touche qui aurait pu être plus légère, faisant du personnage de Wald une personne plus symbolique que pleinement épanouie – sans que ce soit la faute de l’acteur, qui frappe des accords mineurs intrigants, chaleureux et parfois impénétrables. En tant que mère, mère célibataire et infirmière, Tanya Moodie impressionne pendant son bref passage à l’écran, démontrant sans effort la source de l’intégrité de Stephen.
La partition de Trent Reznor et Atticus Ross puise dans une veine nostalgique et l’éclat visuel général du film, de l’éclat kaléidoscopique d’une fête foraine à l’étendue du bord du monde du rivage. Les morceaux de Joni Mitchell, Bob Dylan et Cat Stevens sont bien utilisés – en particulier «Morning Has Broken» de ce dernier, offrant un contrepoint mélodique et discordant à une scène troublante dans laquelle Hilary est la plus précaire.
Quant à une catastrophe climatique impliquant des gangs de crétins racistes violents, vous pouvez entendre les rouages narratifs tourner, détournant l’attention de Mendes ; la scène est beaucoup moins convaincante que la confrontation chargée de Stephen avec un client méchant (Ron Cook). Rien dans le film n’a une fraction de l’impact dramatique des montagnes russes émotionnelles que la performance de Colman incarne – la façon dont son visage s’illumine ou enregistre une légère, la façon dont elle fait rage contre la cruauté ou, surtout, la façon dont elle écrase un bien- rassemblement à talons avec du rouge à lèvres sur les dents et quelques lignes d’Auden à partager.
