Critique du menu : Anya Taylor-Joy, Ralph Fiennes et Nicholas Hoult sont les vedettes de la satire savoureuse de Mark Mylod

L’aubépine est le rêve humide d’un épicurien. Dîner dans ce restaurant, autour duquel le long métrage stylé de Mark Mylod Le menu tourne, il faut faire une réservation plusieurs mois à l’avance et débourser plus de 1 250 $ par personne. Le restaurant est dirigé par le chef de renommée mondiale Slowik (joué avec une sévérité tranquille par Ralph Fiennes) et est situé sur une île isolée quelque part dans le nord-ouest du Pacifique. Leur menu de dégustation change selon les saisons, en fonction à la fois des caprices de son géniteur et du terroir. Le restaurant ne peut accueillir qu’une dizaine de personnes. Il n’y a pas de téléphones portables autorisés. Ils ne prennent pas de dîners en solo.

Quel genre de personne veut – ou plus précisément peut se permettre – de dîner dans ce bel établissement ? Les sales riches, bien sûr – les personnages égocentriques et macabres pour qui il est impossible d’invoquer une once de bonne volonté. Le menu se gorge des bévues de ces personnalités et savoure leur humiliation. Il s’agit d’une comédie noire vengeresse qui sonde les angoisses de classe qui s’infiltrent (un thème populaire au cinéma ces derniers temps). Il offre des opportunités de dépouiller l’empereur de ses vêtements, et bien que cela ne se traduise pas nécessairement par le commentaire social le plus révélateur, cela en fait une balade amusante.

Mylod est surtout connu pour sa réalisation télévisée — Sans vergogne, Game of Thrones et plus récemment Succession (pour lequel il a décroché une nomination aux Emmy Awards) – mais il n’est pas nouveau dans le cinéma. Ses premiers projets Le grand blanc (en 2005) et Quel est ton numéro (en 2011) sont pour la plupart oubliés, mais avec Le menuun film qui affiche une vision pointue, le réalisateur fait un retour passionnant et confiant au cinéma.

Écrit par Willy Tracy (Succession) et Seth Reiss (Tard dans la nuit avec Seth Myers), Le menu suit Tyler (Nicholas Hoult), un épicurien insupportable, et sa compagne Margot (Anya Taylor-Joy), une femme entourée de mystère, pour un dîner à Hawthorn. Ils font partie des 12 convives du restaurant, parmi lesquels figurent également un acteur dont le nom n’a jamais été donné qui tente de relancer sa carrière (John Leguizamo) et sa malheureuse assistante, Felicity (Aimee Carrero) ; Lillian Bloom, une critique de restaurant délirante (Janet McTeer), et son rédacteur en chef, Ted (Paul Adelstein); Anne (Judith Light) et Richard (Reed Birney), un couple riche ; et Bryce (Rob Yang), Soren (Arturo Castro) et Dave (Mark St. Cyr), un trio de tech bros odieux dont le patron est le principal investisseur de Hawthorn ; et une personne mystérieuse que je ne gâcherai pas ici.

Une introduction efficace mais sans précipitation esquisse suffisamment chaque personnage pour nous permettre de comprendre les contours de leur personnalité. Tout le monde, sauf Margot, partage une réalité de richesse, d’accès et de privilège. Lorsque nous rencontrons le couple, Tyler réprimande Margot pour avoir fumé des cigarettes, insistant sur le fait qu’elle ravira ses papilles. Margot s’en fiche : elle ne comprend pas la vénération de Tyler pour les expériences culinaires coûteuses et trouve sa dévotion humoristique.

Sur l’île, le groupe est accueilli par Elsa (une Hong Chau transperçante), le chef stoïque de l’équipe du chef et la personne la plus proche qu’il ait d’un conseiller. Elle leur fait visiter les lieux, en commençant par la côte : la caméra du directeur de la photographie Peter Deming se prélasse dans la vie aquatique du lieu avec des plans rapprochés de crabes rampant sur du bois flotté et des algues échouées. Plus à l’intérieur des terres, l’environnement devient plus conifère, avec des arbres imposants, de l’herbe verdoyante et des buissons dodus. L’île est autosuffisante – le poisson provient de la mer, les légumes récoltés dans le jardin, la viande abattue du stock domestique.

Le menu est structuré autour du menu de dégustation de Hawthorn, et le langage visuel saisissant du film se reflète dans les repas, qui sont chacun présentés avec des cartes de titre brèves et pleines d’esprit. Elsa conduit les convives à la salle à manger principale – une cuisine à aire ouverte en acier qui flirte avec une esthétique brutaliste – après la visite. Dans la conception de production épurée d’Ethan Tobman, les gris et les bleus froids dominent la palette de couleurs. L’orange de la cheminée qui tapisse les murs et les flammes nues de la cuisine ne font qu’ajouter une illusion de chaleur.

Les invités sont assis. Les serveurs poussent leurs chaises et posent des serviettes sur leurs genoux. Un sommelier déchiqueteuse flotte dans la salle proposant des rouges vieillis et des blancs frais. Lorsque Chef se matérialise pour saluer son public captif, le buzz meurt et les yeux se posent sur lui. Son introduction est une récitation poétique de sa philosophie alimentaire. Il y a des nuances sinistres, mais les convives amoureux ne se rendent compte qu’ils sont pris dans un jeu maléfique du chat et de la souris qu’au deuxième plat (pétoncle de plongée cru, algues et algues locales marinées). À ce moment-là, il est trop tard.

La tension monte au fil des parcours, tous plus farfelus les uns que les autres. Le scénario astucieux et inventif de Tracy et Reiss se moque du stress de la vie culinaire sans déprécier le niveau de créativité et de confiance nécessaire pour servir des repas de haut calibre chaque soir. La partition de Collin Stetson – imposante, mordante, gonflante – nous plonge davantage dans le charme de la cuisine Hawthorn.

Mais les conclusions de base tirées de la description des tensions de classe menacent de démêler cette histoire par ailleurs étroitement travaillée sur les conditions d’autocuiseur créées par le capitalisme et son application incohérente. Ceux qui ne sont pas riches ne peuvent pas se permettre de quitter la roue du hamster. Le menu taquine une analyse plus subtile et mordante qu’elle ne livre finalement avec sa dépendance excessive aux discours rhapsodiques et trop explicatifs du chef.

Le film de Myod est le plus fort lorsqu’il se concentre sur le processus et décrit à quel point le personnel saute, guérit, fermente, mesure, aromatise, garnit et construit de manière obsessionnelle chaque plat. Dans ces moments-là, l’exécution d’un menu de dégustation commence à ressembler au spectacle du théâtre : il y a des enjeux élevés, des ego plus grands et une poursuite sans fin d’un sentiment éphémère.