Pourquoi « La Gradiva », la sensation surprise de Cannes, est désormais la première incontournable de l’automne

Le Festival de Cannes de cette année était rempli de maîtres du cinéma européen et asiatique : Hamaguchi, Farhadi, Almodóvar, Kore-eda, Mungiu, Pawlikowski, Zvyagintsev, etc. Certaines de leurs nouvelles œuvres attendues ont mieux réussi que d’autres ; quelques privilégiés font désormais le tour des festivals d’automne dans l’espoir de gagner un peu d’élan aux Oscars. Mais sur la Croisette en mai dernier, une série dramatique pour adolescents programmée en dehors de la Compétition Principale s’est imposée comme la favorite des critiques que personne n’avait vu venir : La Gradivale premier long métrage de Marine Atlan, qui a remporté le Grand Prix de la Semaine de la Critique. (Le journaliste hollywoodienLa critique de l’a qualifié de « premier long métrage époustouflant », et il reste à 100 % sur Rotten Tomatoes.)

Acquis à Cannes pour une sortie aux États-Unis en décembre par 1-2 Special, La Gradiva est finaliste de la compétition pour devenir la candidature française aux Oscars et fera lundi sa première nord-américaine au Festival du film de Toronto 2026. Le film suit une classe de français lors d’un voyage scolaire à Pompéi et présente presque tous les nouveaux arrivants dans l’ensemble. Avec Atlan, un directeur photo très réputé, partageant les tâches de directeur de la photographie avec Pierre Mazoyer, le film se présente avec une esthétique réaliste et austère, plongeant les spectateurs dans le quotidien de dizaines d’étudiants nourrissant des béguins déroutants, attendant avec impatience des nouvelles de leur avenir, discutant de l’état désastreux du capitalisme moderne. La GradivaLa vraisemblance sans faille de est un témoignage à la fois de l’autorité d’Atlan derrière la caméra et des recherches approfondies qui ont été consacrées au scénario – un portrait de l’adolescence à la fois vivifiant et intemporel.

La Gradiva prend une tournure tragique dans son acte final qui oblige à réexaminer le cinéma lâche et observateur qui y a conduit. Les arcs des personnages principaux – Toni (Colas Quignard), désireux d’enquêter sur les liens de sa famille avec Pompéi entre des rencontres avec divers hommes de la ville ; son meilleur ami, James (Mitia Capellier-Audat), qui semble avoir tout pour lui ; et la solitaire Suzanne (Suzanne Gerin), presque lassée de ses pairs, convergent de manière surprenante et déchirante. Et dans la foulée, Atlan s’affirme comme une réalisatrice majeure à suivre.

Ci-dessous, elle détaille les différentes étapes de fabrication La Gradiva — ainsi qu’à quoi ont ressemblé les derniers mois, depuis ce lancement électrique à Cannes.

L’IDÉE

L’idée m’est venue à un moment donné d’un film que j’imaginais pouvoir être réalisé plus rapidement, instantané en un sens et rassemblant une troupe de personnes. Il s’inspire beaucoup d’une série de films réalisés en France dans les années 1990 et intitulée Tous les garçons et les filles de leur âge — assez connu en France et mettant en vedette des cinéastes que j’aime, comme André Téchiné et Chantal Akerman. J’ai donc eu cette idée d’un film collectif qui serait réalisé rapidement avec des acteurs non professionnels ; l’envie était d’avoir un groupe de jeunes non professionnels et de les confronter à ces ruines vieilles de 2 000 ans et de voir ce que cela donnerait en termes de narration et d’esthétique. Il y avait ce territoire très ancien en contraste avec un groupe de jeunes.

Puis il y a eu ce texte, Gradivapar [Wilhelm] Jensen, qui m’a accompagné ces dernières années. J’ai aimé la façon dont Freud le voit, en tirant cette idée que Pompéi est une métaphore de l’inconscient. Alors qu’un autre projet de film me résistait un peu, ce qui s’est avéré être mon premier film m’a en fait assez vite accroché, et j’ai découvert ce film assez rapidement, notamment par son caractère choral, ses multiples personnages, mais aussi la trajectoire de Toni. Mais le désir fondamental de ce film était bien le contraste entre un territoire précis et ce groupe de jeunes. La relation entre le présent et les vestiges du passé.

LE CASTING

Comme beaucoup de choses dans ce film, c’est un travail qui s’est fait par couches. Dans un premier temps, nous avons écrit une version du scénario, dont ma co-scénariste Anne Brouillet et moi étions plutôt satisfaits, puis nous nous sommes lancés dans un casting très long. Nous avons été en casting pendant deux ans. Au début, nous avons travaillé avec une directrice de casting pendant assez longtemps, puis nous en avons repris une deuxième plus tard dans le processus. Nous travaillions avec une petite équipe sur des castings de rue, où l’on va dans les lycées pendant qu’ils se libèrent pour la journée ; vous allez à des manifestations politiques, vous allez à des cours de théâtre non professionnels. Le but était de trouver les trois pistes, et sur cette base, nous trouverions la constellation de la classe entière à construire autour d’elles.

Une fois que nous avons trouvé les pistes, nos discussions avec eux ont porté sur ce qu’ils pensaient pouvoir et ne pas pouvoir faire. Ainsi, par exemple, les scènes d’intimité, les scènes de sexe, on en a beaucoup parlé avec Colas Quignard, qui joue Toni. Il nous a dit ce qu’il pensait pouvoir et ne pas pouvoir faire, et nous avons donc réécrit sur cette base. Ensuite, nous avons travaillé pendant des mois sur les répétitions. Nous avons répété chaque scène et lors de ces répétitions, nous avons improvisé. Ensuite, mon co-scénariste et moi regardions des enregistrements de ces improvisations, et en fonction de ce qui se passait dans les improvisations, nous voyions comment nous voulions ajuster certaines choses dans l’histoire, des choses qui avaient été trouvées dans les personnages ou la dynamique. Les personnages n’ont pas vraiment fondamentalement changé, mais ils se sont approfondis avec l’incarnation des acteurs et actrices.

Pour prendre un exemple, vous avez le personnage de James, qui vient d’un grand privilège et qui est très beau. Tout le monde est attiré par lui. Mais quand Mitia [Capellier-Audat]l’acteur, est entré dans le projet, nous avons trouvé un niveau d’androgynie et de fluidité avec cela – le personnage qui crée un rapport vraiment différent à la masculinité. C’étaient des choses qui auraient peut-être été moins évidentes à première vue.

LA RECHERCHE

C’était très important dès le début, quand on a commencé à écrire, de ne pas fantasmer sur cette génération — d’aller chercher ce qu’il y a d’immuable, d’immuable dans l’adolescence, dans l’âge de 17 ans, qui rassemble en quelque sorte toute l’expérience humaine — et aussi de trouver ce qu’il y a de spécifique à cette génération et à ce moment contemporain. Je ne voulais absolument pas projeter mes souvenirs sur cette histoire. Nous avons tout mis en place pour que je puisse aborder cela dans un style documentaire. Avant de commencer la production, nous sommes allés interviewer des jeunes pour parler de genre, de sexualité, de féminisme, d’environnementalisme – puis nous avons effectivement accompagné un voyage scolaire pour nous rappeler ce qui se passe dans ces moments si intenses, pour connaître les systèmes de sélection qui existent dans les lycées en France et qui génèrent tant d’anxiété. Rappelons aussi combien cette période de temps est extrêmement condensée.

Il y avait ce va-et-vient constant dans le tournage du film entre des choses que je revivais et puis aussi des choses que je voyais chez ces jeunes et que ma génération n’avait pas vécues ou qui ne caractérisaient pas ma génération. Alors, par exemple, je dirais qu’ils ont un vocabulaire très précis pour identifier et nommer les relations de pouvoir, ce qui n’enlève rien à l’existence de ces relations de pouvoir au sein de la classe, mais ils sont capables de les nommer et peut-être de les comprendre mieux que nous, grâce à ce vocabulaire qu’ils ont développé.

Il y a aussi une relation beaucoup plus intense avec l’état du monde et la violence du monde qui est vraiment visible en eux. Je veux dire, on peut voir un certain niveau de désillusion chez ces jeunes. Bien sûr, ils ne sont pas tous pareils. Il y a encore cette nonchalance, ce sentiment de toute-puissance qu’ont beaucoup d’adolescents. Mais ils ont le sentiment de vivre dans une époque d’effondrement. Mais en même temps, leur présence, leur énergie, leur regard et leur émerveillement lorsqu’ils regardaient les ruines de Pompéi – dans certains de leurs cas, cela m’a mis dans l’obligation d’éprouver de l’espoir.

LE CINÉMA

Nous étions deux [me and Pierre Mazoyer] en tant que directeurs de la photographie. Sur le film, nous avons partagé ce travail. D’un côté, je voulais tenir la caméra. J’avais envie de penser à l’image parce que c’est ma place et mon outil, et c’est là que je me sens bien — mais j’ai réalisé qu’avec 20 acteurs et actrices, c’était un travail que je n’allais pas pouvoir faire seule. J’ai demandé à un collaborateur très proche qui a fait la correction des couleurs sur tous mes autres films, Pierre, de me rejoindre. Nous sommes partis d’une approche documentaire très réaliste de l’image. Je me mets dans des situations que je ne peux pas forcément entièrement contrôler. Nous voulions observer Naples, avec sa lumière très particulière. Il y a énormément de saturation à Naples, de nombreuses couches – c’est en fait un endroit assez difficile à filmer. Nous avons donc commencé par y aller, à deux ou trois, pour filmer des plans de la ville et nous immerger réellement dans cet environnement.

Et puis petit à petit on a orienté l’image vers quelque chose de plus lyrique. Nous avons permis des effets de couleur et de mouvement dans le film, et nous avons vraiment fait évoluer le film vers le mélodrame. C’est la trajectoire de ce film : on part de quelque chose de très réaliste, puis on s’oriente vers des choses plus tragiques et mélodramatiques. Douglas Sirk est quelqu’un auquel je pensais, et donc avec le costumier et le gaffer, nous avons vraiment réfléchi à faire ressortir des couleurs spécifiques. La scène finale avec Toni, qui se déroule au port, on a vraiment beaucoup d’effets de couleurs. On s’est aussi permis dans la dernière partie du film d’avoir des plans plus longs, de ne pas trop couper, d’avoir des plans séquences — pour laisser plus de mouvement dans l’image.

Pendant tout ce temps, nous avons gardé la même texture, qui je trouve assez proche du film celluloïd. C’est vraiment ma sensibilité : s’éloigner de quelque chose de très réel et permettre à cela de glisser. J’avais aussi envie de transposer les personnages pour qu’à terme ils assument cette sorte de pouvoir ancien ou antique.

LA PREMIÈRE

Surtout, les choses ont évolué très vite. Nous avons terminé le film quelques jours seulement avant sa première à Cannes, et effectivement il y a eu un énorme engouement autour du film là-bas, ce qui a été très émouvant pour moi, pour les acteurs et actrices, pour l’équipe – et puis je me suis lancé comme directrice de la photographie sur un premier long métrage d’une autre réalisatrice. Je suis donc parti directement de Cannes pour préparer ce film et maintenant nous organisons la sortie de mon film dans différents pays. Je reçois beaucoup de messages. Je ressens certainement toute cette excitation autour du film. Mais je pense que je ne réalise pas encore entièrement ce qui se passe. Et cela m’a été très utile de m’impliquer dans les aspects concrets et techniques du travail sur un autre film – cela m’a aidé à garder la tête froide. Je n’ai pas encore bien mesuré ce qui se passe avec mon propre film.