«  Peacock  » est une métaphore cinématographique de l’âge des médias sociaux qui dissèque l’auto-présentation avec un humour subtil

Les débuts de réalisatrice de l’écrivain autrichien Bernhard Wenger Paon dissèque les thèmes de l’identité et de l’auto-présentation à l’ère des médias sociaux, mais il ne vous frappe pas au-dessus de la tête avec un marteau. En fait, il ne mentionne même pas beaucoup les médias sociaux.

Paonune coproduction autrichienne-allemands qui a été présentée en première mondiale à la semaine des critiques de Venise l’année dernière et obtient ses débuts au Royaume-Uni au Glasgow Film Festival sur Oscar Sunday, avec une autre projection lundi, présente la star de la montée allemande Albrecht Schuch (Edward Berger’s’s Tout calme sur le front ouestAndreas Kleinert Cher ThomasNora Fingscheidt Système Crasher) En tant que Matthias, ainsi que Anton Noori et Julia Franz Richter.

«Matthias est un maître de la performance, glissant parfaitement dans tout rôle exigé par les clients de sa société de location – de son petit ami amoureux de l’art au bon Samaritain et au fils dévoué», note un synopsis. «Son attitude agréable est devenue si extrême que sa petite amie Sophia (Richter) commence à se demander s’il y a tout le« vrai »lui gauche, plongeant Matthias dans une crise existentielle.»

Le court métrage de Wenger Excusez-moi, je cherche la salle de ping-pong et ma copine a remporté le prix du meilleur court métrage aux Autrichies Film Awards 2019, et a également été honoré du prix Max Ophüls, ainsi que des deux courts-films au Diagonale – Festival of Autrians Film.

Wenger a eu l’idée de Paon Lorsqu’il a lu des agences de Rent-A-Friend au Japon il y a plus de 10 ans et a pensé qu’après avoir terminé ses études cinématographiques et plusieurs shorts bien reçus, le sujet de l’auto-présentation valait le traitement. Son scénario pour le film a été sélectionné pour la 40e résidence de Cinéfondation du Festival de Cannes en 2020.

L’homme de 32 ans a parlé à Thr À propos de ses recherches au Japon, de son processus créatif, des comparaisons que son travail a tiré avec Ruben Östlund et Yorgos Lanthimos, et quelle est la prochaine étape pour lui.

Vous avez découvert les agences de Rent-A-Friend dans un article dans Le New Yorker en 2014. Comment avez-vous recherché le sujet?

En 2018, lorsque le moment était venu, je suis allé au Japon pour faire des recherches à leur sujet. Ils existent au Japon depuis plus d’une décennie en raison de l’isolement et de la solitude dans la société. Les gens peuvent louer quelqu’un juste pour aller prendre un café ou faire une promenade ensemble. Ils peuvent louer quelqu’un pour tout ce qu’il n’a pas dans la vie. Les gens sont donc loués en tant que partenaires, comme amis, en tant que membres de la famille. Cette bonne idée initialement pour aider les personnes qui pourraient être des introvertis pour essayer le contact social ont été rapidement utilisées pour différentes choses, comme une meilleure auto-présentation, cacher des mensonges, manipulation, montrer le pouvoir. Et ce sont, malheureusement, les raisons pour lesquelles ces agences travailleraient également dans les sociétés occidentales.

Parlez-vous japonais?

J’ai juste eu un traducteur avec moi et j’ai essayé d’amener les gens à parler ouvertement avec moi, ce qui n’était pas si simple. Mais heureusement, une personne s’est vraiment ouverte. Et toutes les histoires que j’ai entendues sur les missions étaient souvent trop absurdes pour les montrer dans le film, alors j’ai tout refusé un peu. Certaines des affectations que nous voyons dans le film se sont produites exactement comme indiqué. D’autres auraient été trop. Ou ils pourraient être montrés, mais cela aurait été un film différent, un film de comédie classique. Mais l’humour avec qui je travaille est subtil et un peu bizarre, donc je ne voulais pas être trop exagéré.

Quand j’étais au Japon pour faire des recherches, j’ai rencontré un homme travaillant dans une agence qui m’a dit qu’en raison de son travail étrange où il est quelqu’un d’autre chaque jour, il a le problème qu’il ne sait plus comment être lui-même. Et j’ai trouvé cela incroyablement tragique et construit cette histoire satirique autour de lui. Je raconte l’histoire à travers un homme travaillant dans une agence de location d’un ami, mais c’est une histoire satirique sur notre société et les problèmes de notre société.

Les thèmes que vous explorez semblent très opportuns et universels…

L’auto-présentation est un sujet énorme dans notre société. Si nous jetons un coup d’œil aux médias sociaux, où tout le monde se présente sous le meilleur jour, c’est vraiment devenu un problème. … Je voulais parler de ces sujets dans un film sans montrer les médias sociaux, mais voir le film comme une métaphore pour cela.

Nous ne voyons pas grand-chose en termes de selfies et de médias sociaux dans le film…

Ouais. Nous voyons des gens prendre des selfies, et il y a un rapport télévisé sur un influenceur qui a fait semblant d’être en vacances, mais en réalité, elle était dans sa propre cour. … Mais à part cela, je voulais en montrer plus sur la façon dont les gens se présentent mieux en public.

Votre travail a été comparé à Yorgos Lanthimos et Ruben Östlund, entre autres. Des influences cinématographiques ou créatives?

J’ai été influencé par le cinéma scandinave dans ma jeunesse. (Aki) Kaurismäki a été le premier réalisateur que j’admirais vraiment, et la comédie noire britannique m’a également influencé. Et avec mon sens très autrichien pour la tragédie, cette écriture (cinématographique) s’est réunie au fil des ans.

Comment décririez-vous votre approche en ce qui concerne ce qui peut être une ligne très mince entre la morosité tragique et l’humour?

J’essaie de faire des films avec des sujets importants et tragiques, mais j’ai toujours l’optimisme et la chaleur envers mes personnages.

À quel point était-ce cool de travailler avec Albrecht Schuch, qui est largement considéré comme l’un des meilleurs jeunes acteurs allemands et le reste de votre grande distribution?

C’était merveilleux de travailler avec un casting aussi incroyable sur mon premier long métrage. Beaucoup de ces acteurs et actrices que j’ai vraiment admirés et que j’ai toujours voulu travailler. Et heureusement, ils ont accepté mon invitation à jouer ces rôles.

Avec Albrecht, c’est que j’ai toujours aimé le voir dans ses projets précédents, et je voulais toujours vraiment suivre ses personnages et être très proche d’eux. C’est une qualité dont nous avions surtout besoin pour Matthias car il est un personnage principal passif que vous devez toujours vouloir suivre la longueur d’un long métrage. Et de l’autre côté, Albrecht est incroyablement polyvalent. Je l’ai souvent vu sous différentes formes de rôles de héros et j’ai pensé qu’il était très intéressant que Matthias assume ces rôles de héros dans son travail, mais dans sa vie privée, il est toujours perdu. Et cette partie de la perte et de la recherche vraiment de quelque chose que je n’ai jamais vu Albrecht représenter auparavant. Je pense toujours qu’il est intéressant de voir un acteur faire quelque chose de nouveau.

Qu’avez-vous appris de vos interactions avec les acteurs?

Albrecht, par exemple, a déclaré qu’il était si difficile de jouer un rôle lorsqu’un personnage entre dans une pièce et que rien ne change à cause de lui. Il a également déclaré que dans l’école d’acteur, il a appris à être quelqu’un d’autre, à jouer un rôle, mais vous n’apprenez pas vraiment à s’en débarrasser. Alors Albrecht nous a dit qu’il avait trouvé ses propres façons de se débarrasser de ces rôles. Mais notre personnage principal ici ne sait évidemment pas comment faire cela. Et la personne qui n’a pas inspiré l’histoire au Japon non plus. Il m’a dit qu’il ferme émotionnellement avant de prendre des missions parce qu’il ne voulait pas s’attacher lorsqu’il joue un partenaire, un fils ou un père. Et quand il rentre à la maison et s’assoit avec sa famille, il a besoin de temps pour s’ouvrir à nouveau. Ce n’est donc pas qu’il n’y ait aucune émotion du tout, il est juste caché sous quelques couches, et il doit être fait ressortir. Parce que lorsque vous jouez quelqu’un d’autre tous les jours, vous n’avez pas le temps de trouver de vraies émotions.

À quel point cela sera-t-il intéressant pour vous de dépister Paon à Glasgow?

C’est notre première britannique, et je suis très impatient de le faire. Je suis assis au cinéma dans différents pays où je suis allé avec le film, et c’est très excitant. J’ai toujours été assis sur la première projection. Il est très intéressant de voir comment différentes cultures réagissent au film. Aux États-Unis, la réaction a été assez choquée compte tenu des scènes de nudité, par exemple. Et en Suède, où nous avons montré le film, les gens aimaient les scènes les plus sombres bien plus que dans d’autres pays. Vous avez donc vraiment ce sens et ce sentiment de différentes cultures de cinéma.

Savez-vous ce que vous voulez faire ensuite?

En fait, j’ai deux idées de longs métrages et une idée de série. Paon Je suis dans ma tête depuis six ans maintenant, donc je suis heureux de le diffuser. La série, par exemple, est une pièce d’époque autour de la monarchie autrichienne avec humour. Ça a été vraiment bien de faire des recherches parce que dans le temps, c’est tellement différent de Paon qu’il a recommencé beaucoup d’espace de tête.

Les idées de longs métrages ont à nouveau la même écriture avec l’humour et la satire, mais sont à nouveau contemporaines. L’un est autour du sujet des ruptures parce que les grands sujets du cinéma sont l’amour et la mort. Et je pense que les ruptures sont une combinaison cinématographique très intéressante de ces deux sujets.

Vous avez mentionné plusieurs fois votre approche de l’humour…

J’adorerais vous en dire un peu plus sur l’humour avec lequel je travaille. Dans les comédies commerciales de nos jours, l’humour se produit principalement par dialogue ou slapstick ou exagérations. Mais l’humour que j’aime travailler est subtil, étrange et visuel. Si vous regardez les films de (Français Mime, acteur et cinéaste) Jacques Tati, par exemple, l’humour visuel est tellement merveilleux à regarder. Dans mes projets, l’humour visuel est montré à travers la cinématographie, l’édition, le design artistique, les costumes – tous ces départements fonctionnent ensemble afin que l’humour apparaisse naturellement par l’observation. Ces situations étranges que nous savons souvent de notre vie quotidienne qui contiennent de l’humour sont ma grande source d’inspiration.

Des exemples?

J’étais assis dans le tramway et quelques rangées devant moi, une mère était assise avec deux enfants. Le seul enfant criait et courait de haut en bas, et l’autre enfant était vraiment calme et calme. La mère regardait simplement l’enfant bruyant, tandis que le calme léchait la fenêtre du tramway en paix, personne ne le réalisant. J’aime vraiment ces petites choses dans notre vie quotidienne.

Avant de vous laisser partir, je veux demander un peu plus sur le travail en partenariat étroit avec les différentes créatifs d’un film que vous avez mentionné. Combien préparez-vous et combien improvisez-vous?

Je suis un cinéaste qui se concentre sur la préparation au lieu de l’improvisation. Le film est très proche du script, en particulier en termes de dialogue. Lorsque vous écrivez pendant des années, vous savez vraiment pourquoi chaque mot est dans le script. Mais bien sûr, il s’agit également de répéter avec les acteurs et de se préparer avec précision avant de tirer. En fait, le DOP, Albin Wildner et moi avons déjà fait des courts métrages ensemble, et nous avons trouvé un moyen de préparation qui nous donne la liberté sur le plateau plus tard.

Nous tournons tout le film une fois avec un petit appareil photo en termes de test, avec moi-même et certains collègues étant devant la caméra et «agissant» toutes les scènes. C’est génial car nous connaissons alors toute la résolution et d’autres détails. C’est un peu comme le storyboard, mais le tirer à la place. Donc, sur le plateau, nous pouvons alors dire: «D’accord, scène 5-7», et Albin travaille avec l’équipage des lumières et de la caméra, et je travaille avec les acteurs et j’ai plus de temps pour répéter avec eux. Et en l’avant déjà fait une fois, en l’avant agi moi-même avant, j’ai beaucoup appris sur le rythme, le timing, le dialogue et aussi ces très petites choses. Par exemple, est-il logique pour un acteur de marcher d’ici à là devant la table ou serait-il plus naturel de marcher de l’autre côté de la table?

Montrez-vous ce que vous tirez sur le casting?

En aucun cas. Mais pour la conception artistique, les costumes et l’équipe DOP. Ils peuvent tous le voir pour que tout le monde sache ce qui se passera. C’est une façon d’être très précis en préparation qui me donne plus de temps pour diriger sur le plateau et répéter avec les acteurs.