Critique de « Yo (Love Is a Rebellious Bird) » : l’hommage émouvant, joyeux et formellement inventif d’un cinéaste à son amie à l’esprit libre

Un documentaire singulier, inventif et d’une intimité touchante, réalisé par la réalisatrice Anna Fitch Yo (L’amour est un oiseau rebelle)co-réalisé et édité par Banker White, raconte la vie de Yolanda « Yo » Shea, une immigrante suisse à l’esprit libre née dans les années 1920 avec qui Fitch (la quarantaine maintenant) était une amie proche jusqu’à la mort de Yo. Bien que ce portrait tendre – raconté avec des marionnettes, des collages, des photographies fixes presque animées et des séquences filmées sur le vif prises du vivant de Yo – soit teinté de chagrin, il s’agit finalement d’une œuvre profondément joyeuse, conçue avec un soin et une précision minutieux.

Fitch et White apparaissent un peu devant la caméra ici, mais leur présence ne semble jamais indulgente, et ils n’éclipsent certainement jamais la star de la série, Yo elle-même. C’est juste que, comme le laisse entendre la voix off d’Anna, un peu de contextualisation est nécessaire pour comprendre comment ces deux femmes de générations très différentes sont devenues de si bonnes amies. Il s’avère qu’ils avaient beaucoup de points communs : tous deux n’étaient que des enfants ; les deux artistes, même si Fitch a d’abord suivi une formation d’entomologiste (elle a réalisé plusieurs documentaires sur la nature mettant en vedette des insectes, et les chenilles jouent ici un rôle de soutien majeur) ; tous deux n’étaient pas originaires de Californie, même si c’est là qu’ils ont fini par vivre ; toutes deux sont devenues mères ; tous deux ont des têtes remarquablement pleines de cheveux ondulés, et ainsi de suite.

La liste fantaisiste d’expériences parallèles majeures et mineures a une qualité récitative (légèrement fausse) naïve, comme si nous regardions les choses à travers les yeux d’un enfant. Cela convient à la manière naïve et sans filtre de Yo de décrire sa vie, passant pas mal de temps à se remémorer sa propre enfance. Pendant ce temps, les décors à l’échelle 1/3 que Fitch construit de la petite maison minable de Yo, et les modèles encore plus petits de la 19ème rue à Pacific Grove où se trouvait cette maison, évoquent évidemment des maisons de poupées, juste un peu plus grandes et construites pour faciliter le tournage de séquences à l’intérieur reconstituant des scènes des dernières années de Yo. Tout à l’intérieur de ce petit bungalow en bord de mer aux couleurs pastel où vivait Yo est recréé en miniature, jusqu’aux couvertures de son lit, la cheminée et peut-être (bien que je ne puisse pas entièrement confirmer ce dernier) les sacs d’herbe de la taille d’une once que Yo fume, après avoir été un pothead pendant la majeure partie de sa vie d’adulte.

Mais avant de raconter ses années de drogue, y compris un trip fatidique à l’acide qui a changé sa vie, nous apprenons que son enfance en Suisse italophone a été élevée par des parents conventionnels, apparemment déconcertés par l’enfant étrange et naturellement rebelle qu’ils avaient élevé. À un moment donné, alors que nous entendons Yo parler de ses premières années, le film coupe des images en Technicolor sinistres d’un film pour enfants allemand de 1955, Le Struwwelpeterréalisé par Fritz Genschow, une adaptation du conte populaire classique sur un personnage tonsoriellement négligé qui coupe les doigts d’enfants désobéissants qui ne se coupent pas les ongles ni ne se peignent les cheveux.

Ces clips se marient très bien avec l’atmosphère légèrement étrange qui contrecarre les notes de douceur tout au long – approprié étant donné que Yo était clairement un personnage compliqué, aimant envers ses quatre enfants mais aussi en colère, intrépide et déterminé à poursuivre sa propre vérité, même si cela signifiait se rendre sans abri pour passer beaucoup de temps en auto-stop sur l’autoroute One, les enfants laissés derrière avec son ex-mari. Une anecdote sur le fait d’avoir assisté aux funérailles de sa propre mère et à la réception qui a suivi, et d’être tellement défoncée avec le frère de son mari qu’elle décide de coucher avec lui dans le lit de sa défunte mère, résume en quelque sorte Yo – peut-être d’une manière pas tout à fait flatteuse.

Et pourtant, il est difficile de ne pas admirer et apprécier cette femme d’une honnêteté sans faille et excentrique, surtout celle que nous rencontrons dans ses dernières années, usée par l’âge mais toujours belle, au regard perçant et espiègle. Véritable hippie jusqu’au bout, elle n’a aucune gêne à laisser Anna la filmer nue dans la baignoire pendant qu’elle discute avec une aide en visite.

Elle se délecte de tant de choses, même de celles qui lui font peur, comme les oiseaux, une phobie qu’elle a depuis l’enfance mais qui ne l’empêche pas de sortir des noix pour un geai bleu exigeant avec qui elle s’est liée d’amitié. À un moment donné, elle se souvient avoir dit à un conseiller d’orientation lorsqu’elle était adolescente qu’elle ne voulait pas travailler avec des enfants parce qu’elle ne les aimait pas et qu’elle les trouvait même effrayants. Et pourtant, elle a eu ces quatre enfants, rencontrés ici maintenant à la fin de la cinquantaine, et elle est affectueuse et grand-mère lorsqu’on la voit rebondir sur la petite fille d’Anna et de Banker, qui insiste plus tard pour partager sa copie de Pat le lapin avec Yo alors que ce dernier est allongé dans un lit d’hôpital.

On apprend que Yo a finalement fait des études d’art et s’est liée d’amitié avec des artistes de sa génération, dont le sculpteur dadaïste Jean Tinguely. Mais ce qui est intéressant, c’est que le film n’essaie jamais de faire croire que Yo elle-même est un personnage historiquement important. C’est juste quelqu’un que les cinéastes ont connu, aimé et avec qui ils ont passé du temps. Mais d’après ce que nous voyons ici, elle était remarquable en soi – à bien des égards, elle ne méritait pas moins le traitement documentaire que quiconque, une femme formidable et un esprit indomptable.

Le montage enjoué de White garantit que les débats se déroulent joyeusement, et pourtant la richesse des détails dans chaque image donne l’impression que cela semble plus long que sa courte durée de 71 minutes, mais pas du tout de manière négative. Une gamme variée de morceaux de musique classique, allant des fugues de Bach aux extraits de Carmen et Madame Papillon et un peu du maestro minimaliste Terry Riley, ajoutent une touche de dignité formelle qui complète le récit.