Les histoires qui couvrent les genres, les langues et les techniques de réalisation sont parmi les prétendants à une nomination pour le meilleur court métrage aux Oscars cette année.

La réalisatrice Victoria Warmerdam Je ne suis pas un robot s’ouvre sur une expérience familière d’une personne tentant de répondre avec succès à une invite captcha afin d’accéder à un site Web. Cependant, après plusieurs tentatives infructueuses, la femme, nommée Lara, découvre qu’elle est bien un robot.

« Au début, c’était une pensée tellement amusante, du genre : « Et si j’étais en fait un robot et que je le découvrais grâce à un captcha », mais quand j’ai vraiment commencé à écrire le scénario et à y réfléchir, il s’agissait du patriarcat, du féminisme et de quoi. si vous ne contrôlez pas, d’une certaine manière, votre propre corps », a déclaré Warmerdam lors d’un enregistrement de THR présentepropulsé par Vision Media. «Je pense que c’est, surtout aujourd’hui, malheureusement, un sujet encore très important à aborder. Et je pense qu’un film de genre comme celui-ci, lorsqu’il s’agit d’une comédie noire de science-fiction, est le véhicule idéal pour aborder des sujets comme celui-là.

Le genre était un élément important dans la transmission du message de Bouteille Georgesune histoire d’animation en stop motion sur la dépendance racontée à travers les yeux d’une petite fille vivant avec son père alcoolique.

« J’ai été fasciné par cette idée amusante d’un personnage coincé dans une bouteille d’alcool », a déclaré le réalisateur Daisuke ‘Dice’ Tsutsumi. « Au départ, c’était un projet de livre pour enfants, mais au fil du temps, nous avons décidé d’en faire un court métrage. Et quand je [told producer Akihiro Nishino] que je pense qu’il y a plus dans cette histoire que nous pouvons approfondir, j’ai partagé mon expérience personnelle, que je pense que beaucoup de gens pourraient avoir, directement ou indirectement, d’un proche qui lutte avec un problème de dépendance… J’ai demandé s’il est prêt à transformer l’histoire en quelque chose d’un peu plus significatif pour la vie de beaucoup de gens. Et quand j’ai partagé cette histoire, Akihiro a également vécu une expérience personnelle similaire et nous avons tous les deux dit : « Hé, faisons un court métrage qui ait un sens pour nos vies personnelles et, espérons-le, pour beaucoup de gens et leur vie.

L’expérience personnelle est la pierre angulaire de Mûrun conte lesbien sur le passage à l’âge adulte sur une Américaine et une adolescente catalane qu’elle rencontre à l’étranger.

«Nous étions obsédés par ce genre de niche de romance onirique, comme Appelez-moi par votre nom et Avant le lever du soleilces histoires d’amour qui se déroulent dans un laps de temps limité dans un espace qui semble réel mais comme détaché du monde », a déclaré Kerry Furrh, la moitié du duo de réalisateurs Tusk. « Nous n’avions pas vraiment vu quelque chose de pareil pour les lesbiennes et nous voulions faire quelque chose. »

Pour porter ce concept à l’écran, les réalisateurs ont dû désapprendre une grande partie de ce qu’ils avaient vu dans le domaine de la narration LGBTQ, a expliqué Olivia Mitchell, l’autre moitié de Tusk.

« Lorsque nous avons commencé à écrire ce film, il n’était pas si dynamique. La fin n’a pas eu la joie et l’espoir que le court métrage a aujourd’hui. Nous avons réécrit le scénario encore et encore, un peu comme si nous luttions contre notre instinct naturel », a-t-elle déclaré. « Tout ce que nous voyons réellement, ce sont des histoires lesbiennes qui se terminent dans la douleur. C’est tellement étrange parce que nous nous sommes retrouvés à faire ça. Nous avons dû vraiment nous asseoir, nous remettre en question et nous dire : « Attendez une seconde, nous voulons écrire la fin que nous aurions aimé avoir quand nous avions 17 ans ». Nous sommes donc passés d’une histoire douloureuse avec un titre douloureux à une histoire un peu plus pleine d’espoir et de triomphe et nous avons modifié le titre pour qu’il corresponde à cela.

A l’inverse, dans An Tour étrange, Le réalisateur Francisco Lezama a voulu refléter la dureté de la société argentine dans l’histoire en espagnol d’une femme agent de sécurité qui utilise un pendule pour prédire l’avenir et, après avoir reçu une importante indemnité de licenciement dans un musée d’art, tombe amoureuse de un employé d’un changeur d’argent.

« Le concept est né de la réalité », a déclaré Lezama. « Ce film parle de l’inflation et de la façon dont l’inflation affecte la possibilité de projeter quelque chose dans le futur. C’est un film qui parle des luttes dans une crise économique et de la façon dont les personnages commencent à tourner en boucle. Les acteurs recommencent toujours à faire la même chose, comme dans les comédies de Charlie Chaplin ou de Buster Keaton, ils font toujours la même erreur. Il n’y a pas de transformation.

Toutefois, la transformation est au cœur de L’art de l’apesanteurl’histoire de l’artiste de performance Bill Shannon, né avec une hanche dégénérative, portée à l’écran par le réalisateur Moshe Mahler.

« Au départ, j’avais envie de rendre cet hommage abstrait à ARX, qui est un principe de l’animation, parce que Bill se déplace dans ces grands arcs, donc cela aurait été assez intéressant pour moi, mais nous sommes sortis prendre un café et avons en quelque sorte eu une rencontre créative et j’étais intéressé par son histoire. Comment quelqu’un est-il devenu si doué pour utiliser des béquilles pour faire du breakdance ou du skateboard ? C’était une sorte de question dans mon esprit, et il a parlé de son évolution de l’enfance à l’âge adulte et de l’évolution de ses béquilles et à partir de là, il est devenu clair que c’était la direction : l’aspect narratif de son histoire.

Dans Anaïsla réalisatrice Hélène Hadjiyianni et la productrice Shanice Mendy ont dû trouver comment présenter un chapitre qui a changé la vie d’Anaïs Quemener dans leur documentaire sur la coureuse de fond française qui a vaincu un diagnostic de cancer du sein triple négatif de stade III en 2015, huit ans avant de commencer à faire une chronique. son voyage.

« C’était assez difficile, cette partie, parce que j’avais l’impression que c’était vraiment une nécessité d’en parler, mais comment parler de quelque chose qui s’est déjà produit et honorer, d’une certaine manière, tout ce qu’elle a vécu sans tomber dans quelque chose que nous Je fabriquerais », a déclaré Hadjiyianni, qui a expliqué qu’elle avait décidé d’aborder le récit avec un mélange de voix off et d’affichage visuel du dossier médical d’Anaïs.

« C’était une envie d’être très froide, aussi froide que ce que disaient les dossiers sur ses traitements chaque mois. Et le volcan [imagery]du début à la fin, était un rappel et une métaphore de ce que c’est que lorsque nous recevons une chimiothérapie à l’intérieur de notre corps et comment elle brûle les cellules, les bonnes et les mauvaises, et comment elle crée des marques sur notre corps. J’ai voulu essayer de mélanger tout ça très simplement avec la voix off et les images de sa peau et de son corps avec des marques et des cicatrices, car en tant que femme c’est quelque chose qu’on ne voit pas très souvent, et pourtant c’est quelque chose qu’on traverse dans la vie. , que ce soit par une maladie ou autre, nous sommes marqués, notre corps aussi, et je pense que c’est quelque chose qu’il faut célébrer profondément. C’est une force.

Pour en savoir plus sur les cinéastes, regardez la vidéo ci-dessus.

Cette édition de THR présente vous a été présenté par Mubi (Un tournant étrange), Beall Productions (Anaïs), Ville Cheminée (Bouteille Georges), Oak Motion Pictures (Je ne suis pas un robot), Juxtapose Studio (Mûr!) et l’Université Carnegie Mellon (L’art de l’apesanteur).

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