Le réalisateur de « The Red Hangar » parle de son premier long métrage de fiction d’actualité sur les dilemmes moraux et un « geste d’humanité au milieu de la barbarie »

Le hangar rouge (Hangar rojo), le premier long métrage de fiction du réalisateur, producteur et scénariste chilien Juan Pablo Sallato, se déroule peut-être dans le Chili des années 1970 alors qu’un coup d’État militaire se déroule, mais les thèmes et les défis humains qu’il explore semblent très actuels.

Il raconte l’histoire du capitaine Jorge Silva, ancien chef du renseignement de l’armée de l’air, qui reçoit un ordre qui changera sa vie pour toujours. Il est chargé de transformer l’Académie de l’Air Force où il forme de jeunes cadets en un centre de détention et de torture. La raison en est le coup d’État d’un groupe d’officiers militaires, dirigé par le général Augusto Pinochet, qui a renversé le président socialiste Salvador Allende.

The Red Hangar a été présenté en première mondiale dans la section Perspectives des voix émergentes du Festival international du film de Berlin. Inspiré d’événements réels et tourné en noir et blanc, le film a été décrit comme le premier thriller latino-américain explorant le fonctionnement interne de l’armée sous les dictatures des années 1970.

Sallato a déjà réalisé le documentaire Yeux rouges et la série Accro à la Corne, Libéréet La culture du sexe. Il a dirigé Le Hangar Rouge basé sur un scénario de Luis Emilio Guzmán. Le film met en vedette Nicolas Zárate (Prison dans les Andes, Dans la tête d’un psychopathe), Boris Quercia, Marcial Tagle, Catalina Stuardo et Aron Hernández.

Produit par Villano et coproduit par Brava Cine, Rain Dogs, Caravan, Berta Film et TVN. Les ventes mondiales sont assurées par Premium Films/MPM Premium.

Silva est confrontée à toutes sortes de dilemmes dans le film. « Convaincu que l’horreur sera de courte durée, Silva essaie de rester à l’écart », lit-on dans le synopsis de Le Hangar Rouge. « Mais l’arrivée du colonel Jahn – un vieux rival qui revient avec un pouvoir incontrôlé et des affaires inachevées – oblige Silva à affronter non seulement son passé mais aussi ses convictions les plus profondes. Alors que les camions commencent à remplir le hangar de prisonniers et que l’exercice du pouvoir devient de plus en plus impitoyable, Silva se retrouve coincé à un carrefour impossible : la désobéissance pourrait lui coûter la vie, mais l’obéissance aussi pourrait le faire. »

THR a interrogé Sallato sur la création de Le hangar rougeles questions politiques et moralement ambiguës qu’il aborde, l’actualité du film et ce sur quoi il travaille ensuite.

Merci pour ce film puissant et pour m’avoir emmené dans ces choix moraux difficiles. Je suis curieux : l’histoire de Jorge Silva est-elle largement connue au Chili et le film est-il basé sur une autobiographie, un livre ou quelque chose comme ça ?

Merci beaucoup pour vos mots. L’histoire de Jorge Silva n’est pas très connue au Chili ; il circule essentiellement au sein d’un cercle restreint de personnes ayant étudié cette période. Le cas le plus emblématique qui lui est lié est celui du général Alberto Bachelet, père de l’ancienne présidente chilienne Michelle Bachelet, décédé après avoir été torturé par la dictature. C’était le capitaine Silva qui l’accompagnait dans ses derniers instants à la prison publique.

Le film s’inspire de la chronique autobiographique Disparen a la bandada de Fernando Villagrán, l’un des deux étudiants dont Silva sauve la vie dans l’histoire. Villagrán a mené des recherches sur les officiers et sous-officiers de l’armée de l’air chilienne qui ont été torturés par leurs propres camarades pour avoir refusé de participer au coup d’État.

Grâce à Fernando – qui a participé activement à la production – nous avons pu rencontrer Jorge Silva. L’entendre raconter, à la première personne, le moment exact où s’est déroulé le coup d’État a été décisif. Mais ce qui nous a le plus frappé, c’est la position à partir de laquelle il s’exprimait : non pas depuis les plus hauts rangs du pouvoir, mais depuis un terrain intermédiaire où les ordres arrivent fragmentés et où l’obéissance semble inévitable. Cette ambiguïté morale et cette perspective nous ont fait comprendre que c’était là le cœur du film.

Pourquoi avez-vous opté pour un film en noir et blanc?

Plusieurs signes m’ont conduit au noir et blanc. Le premier est apparu lors de ma lecture du livre. Dans un passage, Fernando Villagrán écrit que lorsqu’il s’est réveillé le 11 septembre 1973 et qu’il a appris le coup d’État militaire, tout lui a soudainement semblé noir sur blanc. Cette image m’a semblé profondément cinématographique. Une graine y a été plantée : l’intuition que cette histoire devait être représentée à travers cette imagination visuelle. Fait intéressant, lorsque j’ai mentionné plus tard cette phrase à Fernando, il ne se souvenait même pas de l’avoir écrite, mais elle était là.

La deuxième raison était stylistique. Mon parcours est étroitement lié à l’école d’art, et beaucoup de mes références viennent non seulement du cinéma mais aussi de la peinture et de son histoire. J’ai toujours imaginé le film sur un mode expressionniste, où l’image porte une forte charge émotionnelle. En ce sens, le noir et blanc – le clair-obscur, le contraste, la gradation des gris – est devenu une métaphore visuelle des dilemmes moraux au centre de l’histoire.

Cela crée également une certaine distance temporelle. Il nous situe dans une époque que la mémoire collective associe souvent aux images monochromes, tout en donnant au film son identité et son langage propres.

Vous avez évoqué les décisions morales très difficiles mises en avant dans le film. Pourquoi vouliez-vous explorer de tels dilemmes humains ?

Ce qui m’a attiré dans cette histoire, c’est ce geste d’humanité en pleine barbarie. Les atrocités commises par les dictatures latino-américaines sont largement connues, mais il me semblait important d’aborder le conflit sous un angle différent.

La perspective d’un officier militaire contraint de choisir entre obéir aux ordres et écouter sa conscience est rarement explorée. Il s’agit d’un dilemme inconfortable mais nécessaire, car de telles décisions n’appartiennent pas seulement au passé : elles continuent de se produire aujourd’hui, dans des contextes différents.

Raconter l’histoire de quelqu’un qui, sous une immense pression, décide de faire ce qu’il croit être juste, ce n’est pas l’idéaliser. Il s’agit de se demander jusqu’où s’étend notre propre responsabilité. J’espère que le film activera cette question chez le spectateur : que ferait chacun de nous dans une situation similaire ?

Le film se déroule dans un lieu et une époque précis. Mais comme vous l’avez laissé entendre il y a une minute, le film semble terriblement opportun. Pensez-vous également que les dilemmes et les thèmes qu’il aborde sont très actuels ?

Oui, absolument. La première du film à la Berlinale – en particulier dans la ville de Berlin – a été profondément significative. C’est une ville qui se confronte constamment à son passé pour comprendre son présent. D’une certaine manière, c’est aussi ce que tente de faire le film.

Je crois qu’il est urgent aujourd’hui de reconsidérer nos frontières morales et éthiques. Dans de nombreuses régions du monde, nous assistons à une érosion des droits de l’homme et des accords internationaux, accompagnée d’une normalisation alarmante. Inévitablement, cela nous rappelle certains des moments les plus sombres du XXe siècle.

Le film n’offre pas de réponses faciles, mais il insiste sur la question de rester vivante : que faire lorsque le contexte devient hostile ? Jusqu’où va la responsabilité individuelle ? J’aimerais penser que même dans des circonstances extrêmement défavorables, il est toujours possible d’agir différemment.

Quelle a été la chose la plus difficile pour la production pour donner au film l’impression que nous sommes vraiment dans les années 1970 ?

Le plus grand défi a été de trouver les bons emplacements. Le film nécessitait une école de formation de l’Air Force et une base aérienne qui préservaient encore une véritable esthétique des années 1970.

Au Chili, le seul endroit qui remplissait réellement ces conditions était la base aérienne d’El Bosque et son école de formation, le lieu même où se sont déroulés les véritables événements. Nous les avons approchés, mais nous avons reçu un refus, sans grande explication.

Cela nous a obligé à tout repenser. Nous avons décidé que si nous pouvions trouver les sites appropriés à Mendoza, en Argentine, nous y déplacerions toute la production. Et c’est ce qui s’est passé. L’Université Nationale de Cuyo et la Base Aérienne Cóndor nous ont permis de recréer l’univers du film avec une forte cohérence visuelle.

C’était un saut dans l’inconnu. Nous avons voyagé avec une équipe réduite et intégré une équipe locale argentine qui, avec le casting, a créé une puissante synergie. En seulement 18 jours de tournage, nous avons terminé le film.

En fin de compte, cet obstacle est devenu une force. La coproduction entre le Chili, l’Argentine et l’Italie a non seulement résolu un problème pratique, mais a également réaffirmé notre conviction que la réalisation cinématographique collaborative est l’un des moyens les plus essentiels de soutenir le cinéma indépendant.

Comment avez-vous trouvé et décidé du titre, Le hangar rouge?

Le titre vient directement du livre. « Le Hangar Rouge » était le véritable espace de détention à l’intérieur de la base, et dès le début, je l’ai trouvé profondément évocateur.

À un certain niveau, il fait référence à un espace physique concret. Mais cela a aussi un poids symbolique fort. « Rouge » évoque inévitablement la violence et le sang, mais aussi la charge politique de l’époque. Un hangar est destiné à protéger les avions, à abriter des machines. Le transformer en lieu de détention témoigne de la rapidité avec laquelle une institution peut changer de fonction. Cette transformation est finalement le cœur du film.

Il s’agit de votre premier long métrage de fiction. Envisagez-vous de faire davantage de fiction, ou allez-vous revenir aux documentaires ou aux séries ? Des nouveaux projets ?

Oui, absolument. Avec notre société de production Villano — que j’ai fondée il y a près de deux décennies avec Juan Ignacio Sabatini — nous développons constamment des projets de documentaires et de fiction.

Personnellement, je travaille à nouveau avec Nicolás Zárate, l’acteur principal de Le hangar rougesur l’adaptation cinématographique d’une pièce de la célèbre compagnie théâtrale chilienne Ictus. Le projet est intitulé Les enfants sont grands (Les enfants ont grandi), écrit par Emilia Noguera, et se déroule en une seule nuit, alors que trois frères et sœurs se réunissent après la mort de leurs parents.

En tant que producteur, nous sommes également à un stade avancé de développement sur Simulacroun long métrage de fiction réalisé par Juan Ignacio Sabatini et écrit par Luis Emilio Guzmán — le même scénariste de Le hangar rouge — basé sur l’histoire vraie du gardien chilien Roberto Rojas, qui s’est coupé le visage en 1989 pour tenter d’aider le Chili à se qualifier pour la Coupe du monde 1990.