Darren Aronofsky décrit son parcours vers la création du premier film pour la sphère de Las Vegas

Après le lancement exaltant de Sphere le 29 septembre avec la résidence de U2, vendredi, le film transportant du cinéaste Darren Aronofsky Carte postale de la Terre est devenu le premier film à être présenté en première dans le nouveau lieu de divertissement de Las Vegas. Sorte de récit et de documentaire, il plonge le spectateur dans diverses expériences, lui permettant par exemple de se sentir comme s’il marchait aux côtés d’éléphants lors d’un safari, nageait avec des requins sous la surface de l’océan ou observait la Terre depuis une planète lointaine.

Ce film démontre également le potentiel de cette nouvelle toile pour les cinéastes. « Je suis encore en train de tout gérer », a déclaré le réalisateur nominé aux Oscars. Cygne noir raconte Le journaliste hollywoodien de Sphere, dont l’intérieur est recouvert d’un écran LED 16K 160 000 pieds carrés qui s’étend au-delà de la vision périphérique des membres du public et bien au-dessus et derrière leur tête. Les visuels – affichés à haute résolution qui créent une impression de profondeur et d’être là – sont accompagnés d’un nouveau système audio puissant à séparation de faisceau et de fonctionnalités 4D telles que des sièges anti-vent et haptiques.

« C’est vraiment un média différent en raison de la nature immersive de toutes les images que vous créez et de la façon dont elles se traduisent pour le spectateur », explique Aronofsky, racontant que lorsqu’ils ont commencé à planifier le film, ils se sont rappelés du film de 1895 des frères Lumière. court L’arrivée d’un train en gare de La Ciotat, qui est connu pour avoir surpris le public en voyant un train en mouvement s’approcher d’eux à travers le nouveau support du cinéma à l’époque. « Cela a en quelque sorte influencé l’ouverture de la Sphère. … Ce moment où les attentes concernant ce que vous regardez changent soudainement.

Comme aux débuts du cinéma, le langage visuel et les outils de réalisation se développaient au fur et à mesure de la réalisation du film. « Nous avons commencé avec neuf caméras rouges soudées ensemble pour essayer d’obtenir la résolution dont nous avions besoin pour créer une image pour Sphere », se souvient Aronofsky, ajoutant qu’ils avaient ensuite reçu le premier prototype de la caméra Big Sky 18K personnalisée, inventée pour créer du contenu. pour Sphère. Cet appareil photo – utilisé pour objectif la plupart des Carte postale – a évolué au cours de la production alors que « nous essayions également de comprendre quel était le langage utilisé pour tourner un film à 270 degrés, comment faire en sorte que le public se sente à l’aise avec sa vision périphérique remplie d’images ».

Le film d’une heure est en fait un tour du monde enveloppant, terminé par une histoire se déroulant dans l’espace dans le format d’image familier d’un film, qui commence lorsque deux humains arrivent sur Saturne. Comme elles rappellent la vie sur Terre, les images s’ouvrent pour utiliser tout l’affichage. Le collaborateur de longue date d’Aronofsky, le directeur de la photographie Matthew Libatique, a filmé l’histoire de l’espace avec la caméra Alexa 65 d’ARRI, tandis que le vice-président senior de la capture et de l’innovation de Sphere Studios, Andrew Shulkind, a servi de directeur photo pour le contenu de Sphere. Au total, ils ont voyagé dans 26 pays, utilisant diverses caméras, principalement Big Sky.

Aronofsky a découvert qu’avec la grande toile et la haute résolution qu’ils pouvaient afficher, l’objectif était de composer des cadres remplis de détails tout autour du spectateur. « Nous avons essayé de tourner dans beaucoup de grottes parce que nous savions que les gens seraient capables de lever les yeux et de voir de petites araignées ramper au sommet de la grotte et tous les autres types de vie », explique le réalisateur. L’une de ces créatures a suscité une grande réaction en sautant vers le public. « Je savais vraiment que je voulais réaliser des photos macro, car les présenter au public en 18K avec ce niveau de détail serait quelque chose que personne n’avait jamais vu auparavant. » Pour ce faire, ils ont fait appel à une équipe de photographes d’histoire naturelle.

Un autre cliché de héros impliquait des girafes, dont une qui semble se pencher vers la sphère en direction du public. « Ce qui est intéressant, c’est que l’avant de la caméra Big Sky est un gros morceau de verre. Il y a donc beaucoup de réflexions. La girafe pense donc qu’elle voit une girafe et est très confuse, et ils continuent à venir vérifier ce qu’ils voient », raconte Aronofsky. «Nous nous sommes éloignés et avons en quelque sorte laissé la caméra là-bas et l’avons actionnée à distance pour que les animaux soient à l’aise en traînant autour d’elle. Et cela [shot] C’était juste un hasard, qui arrive lorsque vous avez suffisamment de temps et que vous travaillez avec les meilleurs photographes d’histoire naturelle du monde.

De superbes clichés comprenaient également un éléphant marchant à proximité du public, créés par le photographe d’histoire naturelle Graham Booth (qui a déjà travaillé sur le film d’Aronofsky). Un étrange rocher) et Shulkind. « Il y a quelques astuces là-dedans que je ne révélerai pas, mais l’éléphant a failli marcher sur un appareil photo valant un million de dollars », admet Aronofsky.

Apportant Carte postale à la Sphère (à pleine capacité avec des places debout, Sphère peut accueillir jusqu’à 20 000 personnes, mais Carte postale les projections n’utiliseront pas tous les sièges) impliquait également un calendrier de production serré impliquant une grande quantité d’invention, y compris le développement d’un flux de production et de post-production complexe, de nouvelles technologies et de nouveaux processus pour tout, de la révision du travail au transfert d’énormes quantités de données hors du caméra et via la postproduction. Aronofsky rapporte que le film impliquait un énorme demi-pétaoctet de données.

Oppenheimer La monteuse Jennifer Lame a été recrutée pour monter le film, qui a été réalisé par un compositeur Avid Media. Un programme de réalité virtuelle récemment développé lui a permis de revoir des coupes dans ce qui pourrait ressembler à Sphere (ils ont également testé des coupes dans le Big Dome d’un quart de taille aux Sphere Studios à Burbank). Industrial Light and Magic et Digital Domain ont fourni des effets visuels pour le projet.

Mais Aronofsky, Lame et l’équipe n’ont finalement pas pu regarder le film dans le décor actuel de Sphere avant début septembre, ce qui a encore compliqué la post-production.

Tim Stipan, coloriste de Picture Shop (Aronofsky’s La baleine) a étalonné le film tandis que Craig Hennigan, collaborateur de longue date du réalisateur, a servi de superviseur du montage sonore, de concepteur et de mixeur de réenregistrement. «Tim a vraiment dû trouver comment chronométrer ces images. Personne n’avait jamais chronométré une image 18K auparavant », explique Aronofsky. « Même chose avec le son. L’image étant à 270 degrés, il faut que les sons soient au bon endroit. Mais vous ne pouvez pas vraiment mélanger cela sur un écran de cinéma normal parce que vous ne savez pas exactement où cela se passe. Nous avons donc eu une sorte d’hypothèse et avons fait de notre mieux, puis nous sommes entrés dans la Sphère elle-même et l’équipe MSG a compris comment nous pourrions réellement utiliser ce grand écran pour mixer le film.

Pour Stipan, l’équipe a installé un système d’étalonnage des couleurs Baselight dans une pièce de Sphere, afin qu’il puisse travailler dans l’environnement réel. (Le créateur de Baselight Filmlight a écrit un nouveau logiciel pour prendre en charge le contenu Sphere. Hennigan a quant à lui commencé par créer un mixage Dolby Atmos et a travaillé à partir de là.

Shulkind – qui travaille avec Sphere depuis près de quatre ans et a joué un rôle déterminant dans le développement de la caméra Big Sky et du flux de travail pour les cinéastes – se souvient avoir travaillé sur le site de Las Vegas en septembre. Ils avaient quelques heures chaque matin pour vérifier le montage, le timing des couleurs et le son, puis travaillaient jusqu’à minuit chaque jour pendant que U2 répétait et que l’équipe mettait la touche finale à la salle.

Cela impliquait même de tester et de préparer les éléments finaux, tels que les effets du vent, qui proviennent de l’avant de la salle. « Il faut environ 30 secondes pour qu’une partie du vent vous frappe, et nous avons donc dû chronométrer la façon dont le vent arrive à la première et à la dernière rangée », explique-t-il. « Ils ont mis ces gobelets en plastique avec des guirlandes dessus pour que nous puissions suivre le moment où différentes zones étaient en train d’être détruites. [wind]. … Cela a été un mois serré.