Critique de « Sheep in the Box » : Hirokazu Kore-eda entraîne son regard tendre sur la coexistence humain-IA dans un drame de deuil à la recherche d’une récompense émotionnelle

Hirokazu Kore-eda apporte sa chaleur et sa générosité d’esprit habituelles à la présence apparemment froide de GenAI dans nos vies. Des moutons dans la boîte (Hako no naka no hitsuji), dans lequel des parents en deuil espèrent soulager leur douleur en embrassant un humanoïde construit à l’image de leur fils décédé. Le réalisateur japonais ne manque pas d’idées, la principale étant le potentiel de la robotique avancée pour mettre un terme aux personnes endeuillées. Mais trop peu de ces idées aboutissent à des conclusions satisfaisantes, ce qui donne lieu à un drame qui devient méfiant et sans substance, atteignant une profondeur qui reste insaisissable.

La dynamique familiale a souvent été au cœur des films de Kore-eda, invariablement distingué par sa direction exceptionnelle des enfants. Un des motifs de son travail est la résilience et l’ingéniosité des enfants, qui se poursuivent ici avec un robot qui dépasse le besoin de ses parents adoptifs, tout comme le font les enfants en chair et en os lorsqu’il est temps de rechercher l’indépendance. Mais ces fils thématiques et d’autres manquent à la fois de définition et de poids émotionnel, ce qui rend le film fragile, surtout compte tenu de sa durée de plus de deux heures.

Malgré des détours occasionnels vers la fantasy comme le sublime de 1998 Après la vieKore-eda est fondamentalement un cinéaste naturaliste avec une veine humaniste marquée qui l’a souvent identifié comme un descendant d’Ozu. Ce qui rend intéressante la perspective de le voir s’attaquer à un scénario de science-fiction dans un futur proche. Les touches futuristes amusantes des scènes d’ouverture – un drone de livraison qui pourrait passer pour un mini-OVNI transportant des colis au-dessus du littoral d’une ville ; un robot brigadier traîné par une file d’enfants – tient la promesse d’un humour discret.

Ce drone atterrit à l’adresse de l’architecte Otone Komoto (Haruka Ayase), qui a conçu la maison moderniste de sa famille, un agencement de boîtes superposées empilées autour d’une cour-jardin. Il a été construit par son mari Kensuke, artisan menuisier et artisan de la construction (bande dessinée japonaise Daigo). Lorsque la caméra se tourne vers une photo encadrée de leur garçon de 7 ans, Kakeru (Rimu Kuwaki), la musique mélancolique du compositeur Yuta Bandoh laisse entendre de manière subtile que le garçon n’est plus avec eux.

L’un des colis livrés contient un emballage en forme de cœur qui s’ouvre pour libérer un hologramme d’un papillon lunaire, le logo d’une société appelée REbirth spécialisée dans les répliques humanoïdes génératives d’IA d’êtres chers décédés. Il s’avère que les Komotos ont été approchés pour la première fois par un représentant deux ans plus tôt lors des funérailles de leur fils et sont éligibles à un essai promotionnel gratuit.

Otone est quelque peu curieuse, étant donné à quel point elle ressent toujours l’absence de Kakeru, mais Kensuke est plus sceptique. Ils prennent rendez-vous dans les bureaux de REbirth et écoutent l’argumentaire de vente mais restent incertains jusqu’à ce qu’un jeune garçon de l’âge de leur fils au moment de son décès les approche à la cafétéria. Étonnés par le caractère réaliste de l’enfant robot, ils s’inscrivent au programme, soumettant des photos, des vidéos et d’autres informations sur Kakeru pour les intégrer à sa conception.

Lorsque le nouveau modèle Kakeru est livré, Otone est ravi, même si les capacités de communication du garçon sont basiques, se limitant d’abord à « Maman, je suis à la maison ». Mais « papa » est plus difficile à convaincre, rejetant le nouvel arrivant avec des critiques sur les Tamagotchis et les Roombas avant de partir jouer au baseball pour la journée.

La plupart des réalisateurs rechercheraient un conflit dans les inévitables incompatibilités entre des parents en deuil éprouvant des sentiments humains et un humanoïde sans émotions ni besoins au-delà de sa borne de recharge nocturne. Mais Kore-eda s’attarde sur tout cela sans jamais trouver beaucoup de nuances dramatiques, ce qui donne une section médiane terne.

Les choses prennent brièvement vie lorsque la mère jugée d’Otone se présente sans y être invitée, s’évanouit à la vue de son petit-fils décédé, puis se moque de la folie de remplacer le garçon par une machine, rappelant à Otone qu’elle est encore assez jeune pour avoir un autre enfant. Mais même cela ne parvient pas à générer un drame tangible, tout comme les tensions persistantes sur les circonstances de la mort du véritable Kakeru.

Plus intrigante est l’apparition d’un jeune en noir, suivi d’une poignée d’autres enfants avec lesquels Kakeru découvre des liens de parenté alors qu’ils passent chaque jour du temps dans un entrepôt abandonné à élaborer des plans mystérieux.

Même si la vision de Kore-eda sur la menace existentielle de l’IA est agréablement dénuée de violence, de rébellion et de morosité, elle est également un peu prévisible dans sa conclusion selon laquelle les capacités d’apprentissage accéléré des humanoïdes rendront bientôt leurs familles humaines superflues. Et le scénariste-réalisateur donne un coup de main en demandant à Kakeru de récupérer les chutes des modèles architecturaux d’Otone et de commencer à construire son propre modèle en secret.

L’idée la plus originale du film est la connexion instinctive des robots à des aspects de la nature comme les réseaux d’arbres nourris et protégés par un « arbre mère » qui fonctionne comme un hub informatique central. Bien sûr, il y a des nuances dystopiques dans l’inférence selon laquelle les robots formeront leurs propres communautés, laissant les gens derrière eux. Mais Kore-eda est plus intéressé par un résultat souriant et joyeux d’un accord mutuel, qui est poussé dans une overdrive sentimentale par des éclaboussures de plus en plus écoeurantes de la partition de Bandoh.

Filmé par Ryuto Kondo, qui a également été directeur de la photographie sur le merveilleux film de Kore-eda, lauréat de la Palme d’Or. Voleurs à l’étalage et le plus récent Monstrele film est net, avec de nombreuses prises de vue aériennes saisissantes et une magnifique lumière naturelle dans les nombreuses scènes extérieures. C’est aussi bien joué, notamment par Ayase, le protagoniste du film de Kore-eda. Notre petite soeurdont le caractère doux et la douceur sans contrainte correspondent parfaitement à la sensibilité du réalisateur.

Mais Des moutons dans la boîte (le titre vient de Le Petit Princeun autre motif) est incontestablement une entrée mineure dans le canon Kore-eda. Si vous souhaitez assister à une méditation stimulante sur l’interaction humanoïde-humain et véritablement émouvante, recherchez le film sous-estimé criminellement de Kogonada. Après Yangà partir de 2021.