Tokyo : le réalisateur Zhang Lu discute de sa méditation sur la déconnexion dans « Mothertongue »

Après avoir remporté le premier prix du meilleur film du Festival international du film de Busan pour Gloaming à Luomo en octobre, le réalisateur coréen-chinois Zhang Lu présente sa pièce sœur, Langue maternellede l’autre côté de l’eau, pour sa première dans la compétition principale du Festival international du film de Tokyo. Les deux productions ont été tournées l’une après l’autre dans des lieux espacés de quelques heures, partageant des acteurs principaux, des thèmes et même quelques costumes.

Langue maternellequi a été achevé en premier, suit l’actrice en difficulté Haruki (Bai Baihe) alors qu’elle retourne dans sa ville natale après une décennie à Pékin, son incapacité à parler couramment son dialecte natal ajoutant à ses sentiments d’aliénation et de solitude. Elle rend visite à son ancien professeur d’art dramatique (Liu Dan), qui souffre de crises de sénilité, mais dont le fils (Wang Chuanjun) l’aide à se sentir plus ancrée et reconnectée.

Ancien auteur et professeur de littérature, Zhang s’est entretenu avec Le journaliste hollywoodien via Zoom avant le festival pour parler de sa démarche dans la réalisation des deux films.

Tout d’abord, félicitations pour la victoire à Busan. Est-ce que cela semble particulièrement important parce qu’il s’agissait de la compétition inaugurale du festival ?

Gagner un prix est, bien sûr, quelque chose dont il faut se réjouir mais pas quelque chose à prendre trop au sérieux. Recevoir un prix ne signifie pas que je suis meilleur que les autres, et ne pas gagner ne signifie pas que je suis pire que les autres – c’est surtout de la chance.

Est-il vrai que vous êtes devenu réalisateur après avoir fait le pari que tout le monde pouvait le faire ?

Cette histoire de pari est vraie, mais ce n’était qu’un catalyseur. Quand j’y pense, l’impulsion était déjà là. Depuis toute petite, je suis sensible au son et aux images, même si je ne savais pas alors que je pouvais en vivre. Ce pari m’a simplement donné l’impulsion de découvrir cette possibilité.

Vous avez déjà déclaré que vous aviez divorcé de la littérature et épousé le cinéma, mais qu’avez-vous le sentiment d’avoir apporté avec vous de vos années d’écrivain ?

On pourrait dire que j’ai divorcé de la littérature et épousé le cinéma, mais en réalité, ce n’était qu’un changement de métier. Et comme pour tout mariage, il doit y avoir un fondement d’amour, donc même après votre remariage, l’amour du premier persiste et façonne les suivants. Qui sait, peut-être qu’un jour je me réconcilierai avec mon premier « mariage ». Je ne devrais pas dire ça devant ma femme actuelle (des rires). L’écriture et le cinéma partagent le même fondement : l’émotion. Quand j’écris, je fais face à l’émotion ; quand je fais des films, je fais aussi face à l’émotion. Les méthodes diffèrent, mais le fond est le même.

Dans vos deux derniers films et dans vos œuvres précédentes, il y a un thème récurrent : le franchissement des frontières, d’autres lieux, le fait d’être un étranger – parfois même dans sa ville natale. Dans quelle mesure cela vient-il de votre expérience d’être coréen-chinois et de votre déménagement ultérieur en Corée du Sud ?

C’est peut-être une sorte de destin. Je suis descendant d’immigrés : mes grands-parents ont quitté la Corée pour s’installer en Chine. Même en Chine, j’étais toujours en mouvement et j’ai ensuite passé dix ans à enseigner en Corée du Sud. J’ai vécu la majeure partie de ma vie en mouvement constant, dans des environnements instables. Ce n’est pas que j’ai délibérément choisi de faire des films sur la migration ou le déracinement. Ces thèmes font surface naturellement, peut-être même inconsciemment. On pourrait appeler ça le destin. Je crois presque que le chemin d’un vagabond n’a pas de fin. Ce rythme de mouvement est déjà en moi. Différents espaces me font ressentir le temps différemment, et ce rythme façonne inévitablement ce que je crée.

C’est presque un cliché de dire qu’une ville ou un village est comme un personnage de l’histoire, mais le sentiment d’appartenance semble extrêmement important dans les deux films.

Avec le recul, je me rends compte qu’aucun de mes films n’a commencé avec une histoire ou un personnage. Chacun d’eux est parti d’un espace qui m’a attiré. Ce n’est qu’après avoir été ému par cet espace particulier que je peux commencer à imaginer les gens et l’histoire qui pourraient y exister. En ce sens, l’espace détermine les personnes ; cela façonne la partie la plus essentielle de qui ils sont.

Qu’est-ce qui a attiré votre imagination à propos de Luomo et du mont Emei ?

Après avoir fini Langue maternellej’étais épuisé et comptais me reposer quelques jours près du mont Emei, à quelques heures de route. Sur le chemin, je suis passé par Luomu et l’air m’a captivé. J’ai fini par rester trois jours et je n’ai même jamais réussi à gravir la montagne. Luomu lui-même porte un fort sens de l’histoire. Les gens y vivent depuis plus de trois mille ans – depuis la dynastie Shang – et la ville a prospéré sous la dynastie Tang, il y a environ mille quatre cents ans. Mais aujourd’hui, la ville est presque vide ; il ne reste que quelques résidents âgés. Debout là, vous pouvez encore sentir les traces de toutes ces générations passées qui ont prospéré, aimé et progressivement disparu. Quand un lieu me permet de ressentir ce passage du temps et de la vie humaine, quand je peux saisir les marques laissées par les deux, c’est généralement là que je commence à faire un film.

Ils ressemblent beaucoup à deux films.

Le Langue maternelle Le tournage que nous venions de terminer s’est déroulé à merveille. Mais quand je me suis arrêté à Luomu, quelque chose dans cet endroit m’a fait sentir qu’il y avait là une histoire d’amour cachée. J’ai donc téléphoné aux trois acteurs principaux : Bai Baihe, Liu Dan et Wang Chuanjun. Je leur ai dit : « Je ne sais pas encore quelle est l’histoire, je ne sais même pas exactement ce que je veux faire, mais j’ai vraiment envie de faire un autre film ici tout de suite. » Par hasard, Bai et Liu étaient libres, même si Wang avait rejoint une autre production. Je leur ai demandé de venir tous les deux ; Wang apparaît dans Gloaming à Luomu seulement brièvement, comme un fantôme, principalement à travers sa voix. Parce que l’idée est venue si soudainement, nous n’avions rien de plus qu’un plan d’une seule page. Mais nous venions de tourner un film ensemble et nous nous faisions entièrement confiance, alors nous avons tourné Brillant dans Luomu sur cette base, en nous basant sur cette seule page et sur notre expérience partagée. De nombreux costumes ont été réutilisés Langue maternelle. Je crois que lorsque l’on passe d’un espace ou d’un temps à un autre, les émotions du précédent se perpétuent inévitablement. J’admire les réalisateurs qui peuvent réaliser les uns après les autres des films complètement différents, tous distincts. Je ne peux pas faire ça. Mes sentiments antérieurs laissent toujours des traces dans l’œuvre suivante ; ils sont liés.

Le dialogue entre les personnages semble extrêmement naturel, comment y parvenir ?

Langue maternelle ce n’était que quelques pages de traitement, et Luomu juste une page. Parce que nous avons commencé avec quelque chose de très vague et incomplet, le tournage lui-même est devenu un acte continu de découverte. Lorsque vous partez d’un scénario terminé, tout le monde – le réalisateur et les acteurs – travaille pour atteindre cet objectif prédéterminé. Mais quand on part de quelque chose d’ouvert, d’indéfini, les acteurs réagissent instinctivement, et chacun fait ressortir son énergie la plus vitale. Notre « objectif » devient presque transparent, permettant à une véritable intuition de nous guider. Je pense que c’est pour cela que ces moments de connexion humaine dans les films semblent si vivants. La plupart de ce que vous voyez à l’écran a été créé sur le plateau. Nous discutions ensemble des lignes, des mouvements et des rythmes émotionnels au fur et à mesure. Une fois le montage terminé, j’ai demandé à mon assistant réalisateur d’écrire le scénario sur la base du montage final. Tout cela dépend d’une confiance absolue. Nous devons nous sentir comme une famille, des gens qui vivent ensemble sans script chaque jour à l’avance. Les familles ne planifient pas toutes leurs actions, mais elles parviennent néanmoins à vivre en harmonie. Sur le plateau, c’est pareil : quand il y a une confiance mutuelle profonde, le film peut respirer.

Ces interactions humaines plutôt que le récit traditionnel sont au cœur des films ; envisageriez-vous de filmer une histoire conventionnelle ?

J’ai toujours été sceptique quant aux récits parfaitement complets. Ce n’est que dans les petites interactions spécifiques entre les gens que vous pouvez entrevoir le rythme authentique et les véritables émotions d’une personne. En un sens, un récit complet est quelque chose de figé, de mort. L’interaction, en revanche, est éphémère et en constante évolution. Dans ces rencontres spontanées, vous pouvez rencontrer une tristesse, une joie ou une colère inattendues. C’est pourquoi je garde mes distances avec les scénarios rigides. Mais pour me donner une issue : peut-être qu’un jour je me trahirai et tournerai un film parfaitement structuré. Même si cela coûterait probablement énormément d’argent.

Je ne sais pas vraiment à quel point mais plus il y en a, mieux c’est (rires).